如何拍出有艺术感的摄影作品?了解并掌握这七点,你就是摄影大师
发布时间:2020-04-07 16:07

摄影作品如何展现艺术价值?这是每个初涉摄影的爱好者们相当困惑的点。好比经常拍了一些自认为很漂亮的照片,却屡屡入不了摄影比赛评委们的法眼?或者学习了一些摄影知识,作品象模象样,就无法继续进步?

有人说摄影是一门技术,又有人说摄影是一门艺术。技术是一种机械行为,艺术是一种创造!那么摄影如何从机械地按动快门转而升华为有意识有目标有规划的创意过程?今天,我们就来认真地探讨一下这个话题!

我自己对摄影是这样理解的: 摄影创作是拍摄者使用相机反映社会生活和自然现象,表达思想感情的有效手段。这也是根据艺术创作思维,综合运用各种摄影语言与技巧,经过完整的出品程序,制成有艺术感染力的照片的过程。

摄影的独特魅力和较低的进入门槛,让摄影成为一个大众化的兴趣爱好,但很多人对于摄影的艺术特性,存在着很多错误的理解。也只有了解摄影的特殊性、艺术表达所独有的摄影语言,才能够创作出具有艺术价值的作品。

都说摄影与绘画差不多,我认为它们在创作进程是大相径庭的。但二者同为艺术形态之一,且都是视觉艺术,自然又有很多的相似之处!

绘画起始于一张白纸,需要一笔一画将脑中的构思添加进去,而摄影则不然,虽然起始于一张空白底,但底片的感光可能是几千分之一秒,或者是几十秒,都是一个极短时间。虽然我们可以在后期去对一些元素做添加或更改,但通常不会象绘画一样花去数天的时光。

所以我觉得绘画是从0到1的过程,而摄影更多是一个做减法的过程!摄影与绘画虽然都是视觉艺术,但表现手法,创作过程实在有很大区别,我们并不需要让绘画精准如摄影,也无需让摄影形同一幅画!

摄影与音乐一样的地方是,摄影需要相机,音乐需要乐器(这里特指器乐),对于相机的使用技巧,正如器乐里的音乐家对手上的乐器的使用一样。没有工具,万万不能,但工具只是思维的载体,而不应该成为限制因素。

主动性思维,是摄影创作的核心,也是其他艺术的基石。没有主动性思维,就无法谈论艺术性。如音乐、如歌舞、如写作、如绘画、如雕塑,都不是简单的模拟与重现,摄影的过程也是一种创造,是“无中生有的过程。

“源于生活,高于生活”是艺术的写照,这其实也是摄影的最佳诠释。摄影最早是做为记录的一种形式发明的,但摄影的发展,早已超出了记录本身。而摄影的众多特性,为摄影的艺术表达创造了充分的条件。

摄影本身是对生活的具象表达,因为其最开始是基于一种纪实的手段。摄影无法记录过去,也无法记录未来,摄影只能记录当下。摄影是一种刹那凝固为永恒的艺术形式。

虽然摄像能够捕捉连续的信息量,但由于展现不够直观,所以在表现力上还有些欠缺。刹那的凝结的影像定格,其价值自然更加珍贵。

摄影是将四维压缩成二维的过程。所谓四维,就是时间+三维空间,而摄影,用一个二维的平面将这些信息压缩在了一张照片上,从这个意义上,摄影象极了《三体》中的二向箔。

必须通过感光材料去记录光线。光的质感、光的方向、光的色彩都会左右一张照片的艺术表现能力。不同的色彩代表不同的情感,高调与暗调代表不同的氛围,质感即事物的真实写照!

如果我们详细分析摄影的曝光三角形。我们会发现,在曝光正确的情况下,我们其实可以获得非常多的光圈、快门、ISO组合,而每个组合,会带来不同的效果。

而且,一个相同的地点,在不同的季节,在一天中的不同时段,也能呈现出多种多样的变化。就象在一群摄影师中,围绕同一个角楼,我们拍出来的照片也很难找到一模一样的两张!

美即和谐。摄影的构图中的对称、节奏和韵律、黄金分割、点线面的应用都是一种和谐的外在表达。摄影的艺术性与美学高度统一。就如文章开篇所言,摄影与绘画,与音乐或其他艺术形态,都是一种美的表达。

摄影做为一个独立的艺术形式,它又有自己的语言体系,比如时间、空间、色彩、纹理、构图、前期与后期、作品输出等等。

举例来说,你对你周边的事物,可能了然于胸,熟视无睹,但对于一个初到此地的外国人来说,也许样样新鲜。

摄影是一种视觉艺术。善于观察是摄影者的重要特质,从平凡中找到不平凡是基本功。同时,还需要应用各种摄影工具,给人带来新鲜感。因为陌生感会吸引观者的目光,从而将摄者的思想更容易传导!

长焦镜头,所带来的将远处的事物放大拉近的能力,可以数毛的狮子,正在捕食的白鹭,那远山上的皑皑白雪......给我们带来了巨大的视觉冲击!

在微距镜头下,我们相当于拿着放大镜在仔细观察之前忽略的身边事物,原来,如此的美丽就在身边。拍的不够好,原来是因为靠的不够近!

广角镜头就更不用说了,世界从未如此宏大。我们将一座山,一片海的全景展现出来,那种辽阔,是思维无尽的空间!

在所有的镜头中,反而是35mm和50mm是最难掌控,因为它们最接近我们的视角,很难从形式上拍出陌生感,更要靠内容打动人心。

以上帝视角观察这个世界,是无人机带给我们前所未有的观感:“原来,世界是这样的!”

稍稍变换一下视角,就能产生画面的冲击力。从上往下的俯拍,看见的是辽阔,从下往上的仰拍,看见的是生长的力量!

大光圈虚化背景,产生的陌生感,是与我们眼睛所看到的事物完全不同的。在人像拍摄中,我们往往采用浅景深来制造一种独特的意境,极致突出人物本身,而将人物的前景与背景,幻化为迷人的光影!

长曝光是完全只有通过相机或者后期才能够呈现出来的特殊的美,如摇曳的车灯,如绸缎般的海浪......

陌生感,在摄影的艺术性表达中是一个非常重要的方式,因为人们容易被不平常的事物所打动。当然,这也只是艺术创作中的重要思考方法之一。

胶片与数码的色彩还原,与人眼所见其实都还有或多或少的区别。不同的胶片,不同的相机,其色彩表现是有很大不同的。

而色彩其实与人的情感密切关联。不管是不同相机的成像风格,或者是通过后期的色彩调整,我们都可以赋予作品以不同的色调,从而表达不同的情感。

我们说佳能适合拍人像,是指佳能相机对色彩的还原更讨好我们的欣赏角度,并不是说它的还原能力足够好。另外,由于数码的还原能力,色深限制,往往呈现出来的,与真实的色彩过渡还是有着不小的差距。从这点来看,后期对于色彩的调整,也有还原前期的功效。

镜头是相机中一个很重要的部件。高级的镜头,还原能力很强,比如,需要少的紫边,少的炫光,少的畸变。但又时候,这种镜头特有的光学属性,又会带给我们艺术的夸张。

广角的畸变,是我们可以大作文章的一个点。特别的,如鱼眼镜头,带来的是极度的夸张!

数码成像特点,是画面中或多或少会存在噪点,而这种噪点,其实在一些如新闻纪实或表达某种情绪中,有很大帮助,我们不仅不会去除,反而会更加强化!

而在超现实主义的摄影中,创作者可以用绘画的思维来定义画面中的元素,从而按自己的构想,一步步地将画面要素抽离组合,并有机的联系在一起,形成更有意义的画面。

而这种画面,人们并不会在意它是否是真实世界的投影,更会在意作品本身传递出来的价值。

做减少,是摄影艺术特有的思考方式!在摄影中,我们要将取景框中的元素逐一排除,余下的元素都尽可能与主题相关,或与主体产生关联。

画面的精简,会让主体更加突出,从而将主题凸显。而精简的画面,会让视线更加集中,从而准确表达主题。

构图是摄影的基本语言。在摄影中,我们可以进行二次构图,及画面进行裁切,从而得到我们想要的效果。这也是前期与后期密不可分的一个明证。

有了PS这个后期利器,从理论上来说,是无所不能的。因为我们甚至是可以做像素级的调整,而PS给我们的各种工具,让后期处理有序高效。

后期可以将前期中的一些错误或难以避免的疏漏修复,还可以将影响画面的图像修正去除。

摄影,不仅仅是一种现实的具象表达,通过各种摄影语言,我们可以将之在思维层面进行放大,变得更有张力。

摄影不仅仅可以表达具象的世界,也可以通过一个局部的放大,通过纹理和明暗关系,表达抽象与无尽的思考。

虽然摄影多为一个矩形框架,但开放式的构图,可以将思维引导至画面之外,从而让思维扩张,不仅仅局限在这个矩形之中。这是一种更为高级的构图方式。

组照无疑是摄影的一种独特表现手法,这就象网络平台上的专题一样,由多个个体集合成有共同主题的一个整体。组照就是思维在一组照片中的自由流动!

很多人常常纠结摆拍是不是真的摄影,正如纠结是不是要用人造光,是不是应该后期一样。其实这些都是毫无必要的。

只要画面中的元素,可以表达出摄者的思想,能够起到传达的效果,就没有问题。当然,摆拍显然是受到一些题材的限制的,比如新闻类摄影。

有目的的创造场景,也是摄影中一个很重要的环节。特别象人像摄影,环境就十分重要。而我们在拍微距、拍静物时,场景的准备与元素的组合,显得特别重要。

通过构思,在前期有意识地拍摄各种素材,然后在PS这一数字暗房中,对各种元素进行组合,从而实现很难在前期得到的一些惊人效果。

各种创作技巧工具,都应该为创造性思维服务,而这些独有的表现方法,也正展现了摄影独特的魅力!

就拿手机来说,在大师手里,也可以拍出屡屡获奖的作品。而卡片机,更成为日本著名摄影师森山大道手中的利器。拍立得的独特色彩风格,lomo相机的怀旧风,都可以有很大的创作空间。

而各种镜头,则各有各的妙用,广角、微距、中焦、长焦,变焦或定焦,就算是最便宜的佳能小痰盂,利用好也能拍出惊艳的作品!

不必羡慕别人手中的贵重器材,用好自己手中的相机与镜头,就有足够的创作空间让你发挥,不信?你想一想半个世纪前那些创作出经典作品的摄影师,他们用的是什么器材就能明白!

摄影的构思在摄影的艺术表达中非常重要。摄影器材是工具,摄影画面中的各种元素是工具,摄影的前期和后期是工具,它们都是你思维的载体。

艺术与记录的不同之处,就在于主动的思维。想也不想地按动快门,是拍照;有思考,有构思并付诸行动,是摄影!

构思在摄影中的重要性,再怎么强调都不为过。在摄影中感觉水平停滞不前,那就放下手中的相机,好好地想一想,是不是你的思维已经固化,是不是拍照模式有了局限,是不是表现手法就那么一种两种。

解决方法是多看看书,多看看好的作品,多去博物馆与展览馆,那会是你思维激发的好去处。

当然,前期是基础,后期是加分项,会有一个前与后的决定性关系存在,从这个意义上来说,摄影过程中前期的重要性,要多于后期。

数码时代的摄影人,不会后期是说不过去的。哪怕只会用PS锐化一下画面,调整一下曲线,做一下色彩变换,都会给你的作品增色不少,而深入学习后期技术,则会给你的创作打开另一扇窗,原来,世界这么美好!

我将摄影分为五个步骤,即构思、准备、前期、后期、输出。在这五个步骤中,构思阶段最为重要,即要将一张作品的拍摄,或一组作品的拍摄思路,在这个阶段就明确下来,而后面的各个步骤即是按步就班地执行。

所以,好的摄影师,都有好的拍摄流程与习惯。例如我们要拍摄一个组照,我们就得象导演一样地进行思考,有哪些演员,在哪里拍摄,要用什么服装和道具、光线如何、画面如何、前因后果如何、有哪些细节与全景、后期如何强化,等等。

这种流程,不仅仅体现在有序的计划上,还体现在有效率的正确的作品输出流程上,这会让你的作品表现能力更达到自己想要的效果。

我之前有听过著名摄影师段岳衡讲的课,他的风格就非常明确,即用黑白作品来展现自然的魅力,这真的是一个异于常理的选择,但也正因如此,他找到了自己的路线!

我还有一个朋友,他的拍摄主题非常专注,即厦门每天的日出,由于专注于同一题材,他的构思足够聚焦,作品主题足够聚焦,这也成为他自己的风格。

试想一想,如果我们能将自己的拍摄主题定位在一个非常细分的领域,是不是也能很有成就?

人与人的不同,即在于每个人自身的特质。作品与作品的不同,也就是其中的风格是否带有强烈的个人色彩!

生于数码时代的摄影爱好者是幸运的。首先由于电子技术的飞快发展,让摄影的门槛越来越低,手机与微单,让我们更容易拍出好照片;其次由于数码成像让拍摄成本下降很多,让我们可以通过大量拍摄来快速提升水平;第三就是数码后期处理,让我们有能力去将前期的不完美通过后期补足。

而这一切的一切,并未改为摄影的创作本质,在人人都是摄影师的年代,要让你的作品脱颖而出,难度其实是更大了,而只要从摄影的艺术特性出发,掌握摄影独有的艺术表现语言,加上自己主动性思考,你不仅在思维上能够靠近摄影大师,相信在作品上也会有更长足的提升!